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Il s'agit d'une commande pour une personne qui souhaitait une peinture pour décorer sa chambre dont la peinture murale est de couleur blanc cassé. L'aquarelle devait être reposante avec peu de couleurs vives et plus de tons gris, gris-bleu, gris-vert et vert.

C'est alors que l'idée de la pièce d'eau m'est venue à l'esprit avec pour seules notes colorées les fleurs de lotus, les nénuphars et le pont japonais, clin d'oeil au jardin de Monet à Giverny. 

C'est un paysage imaginaire. Je voulais pour la composition un arrière plan léger évoquant une brume matinale, un plan moyen fait d'arbres se reflétant à la surface de l'eau, un premier plan animé de nénuphars et de lotus, et trouver dans cette composition un endroit pour le pont japonais et son reflet.

Comme la lumière ne s'invente pas, je voulais utiliser ici l'effet du contre jour déjà employé dans deux paysages de campagne avec des vaches et composés à partir de photographies. Dans le cas présent le contraste est toutefois atténué pour répondre à la commande en créant un arrière plan brumeux.

Je me suis également servi d'esquisses de type vignette pour l'étude des valeurs et des masses leur correspondant:

Du jeu des valeurs naît la lumière.

Le dessin, simple, place les arbres et le pont qui placé en gros à la jonction 1/3-2/3 à droite et 1/3-2/3 en haut de la feuille devra se détacher sur la surface de l'eau reflétant le ciel de valeur claire. Pour les arbres je souhaitais une grosse masse comme le bord d'un bois et quelques touffes d'arbres reliés par le pont.

Réalisation 

La technique employée est la technique classique déjà enseignée par Eugène Cicéri (1813-1890), neveu d'isabey, dans sa méthode à la fin du XIXè siècle. C'est à dire que l'on commence par le fond, puis les plans moyen et antérieur, en travaillant de haut en bas, et du clair au foncé.

La feuille est placée presque verticalement sur le chevalet, ceci peut dérouter, il est alors préférable de ne pas dépasser 45° d'inclinaison.

5-6 essais ont été peints au préalable en suivant les étapes ci-dessous pour acquérir une certaine aisance et pour travailler les mélanges de couleurs. 

Le premier passage est fait de tons rompus très dilués et appliqués très librement au pinceau mouilleur n°7 pour le ciel et l'arrière plan. Au niveau de la rangée d'arbres du plan moyen je charge le pinceau mouilleur n° 6 de pigments (bleu céruléum+ocre, lavande+ocre) pour marquer la ligne sur laquelle ils seront placés et j'ébauche quelques formes dans l'humide. Sous cette ligne, interrompue au niveau du pont,  je mouille toute la feuille et je viens avec le pinceau  mouilleur chargé d'eau au contact des pigments sous chaque bouquet d'arbres et laisse la couleur s'écouler vers le bas pour faire leurs reflets. Attention à ce que la couleur ne s'étale pas sous le pont. Ceci nous conduit vers le premier plan où je reprends avec le mouilleur n° 10 un ton rompu (bleu céruléum+ocre, lavande+bleu de cobalt+ocre) de valeur un peu plus soutenue pour unir l'ensemble et donner la notion d'espace. A ce niveau le pinceau mouilleur est chargé d'eau et de pigment et manié avec de larges et amples gestes en aller-retour de telle manière à ce que des "creux" du papier restent vierges. 

Le second passage débute par placer  à gauche des arbres dans le lointain avec un jus légèrement plus soutenu que le premier et de même nuance pour créer l'effet de brume. Créer par endroit des zones de fusion entre les plans. A droite avec beaucoup d'eau et de pigments (lavande+ bleu de cobalt, lavande+ocre) obtenir un jus de consistance laiteuse pour peindre le gros bosquet au petit gris n° 6 et n° 3, créer (pinceaux filet sifflet et martre fin) des contours irréguliers sur le bord du feuillage  se découpant sur le ciel par des coups de pinceaux chargés du jus encore plus crémeux (bleu decobalt+ocre, lavande+ocre) pour simuler avec la pointe les branches et avec le ventre frotté sur le grain torchon le feuillage.

Dans la masse du bosquet travailler la couleur en variant un peu les valeurs et avec des mouvements énergiques dans tous les sens pour créer des effets de branchage et de volume. Quelques projections d'eau pures créeront des effets de lumière et de fusion.

Sous cette grosse masse laisser l'eau pigmentée s'écouler vers le bas pour renforcer son reflet après avoir au préalable mouillé le papier.

Suivre le même procédé sur la gauche pour la rangée de petits taillis en variant leur forme

Peindre le pont avec un pinceau poil de martre (nerveu) très fin chargé de pigments (cramoisi d'alizarine) et d'un peu d'eau ce qui permet de laisser des blancs qui animent le trait. Avec le même pinceau marquer la partie inférieure du pont avec un jus un peu plus sombre, puis mouiller le papier sous le pont et venir avec le pinceau au contact des pieds du pont pour créer son reflet.

A ce stade la partie supérieure de la peinture est pratiquement terminée. Nous avons une masse sombre à droite dont le reflet à la surface de l'eau se prolonge et se perd dans le premier plan. Cette masse masque la source de lumière qui éclaire les arbres dans le lointain, et est reliée aux arbres plus petits à gauche, dont les reflets se perdent aussi dans le premier plan, par la courbe du pont seule note colorée pour l'instant.

Ensuite vient l'étape des nénuphars. Les feuilles de nénuphars dans le plan moyen vont créer des lignes continues et des lignes en pointillés, certaines horizontales, d'autres obliques qui vont diriger et promener le regard entre le premier plan et le plan moyen, et créer l'effet de perspective. Ces lignes irrégulières fines, serrées et moyennement sombres sous la ligne d'arbres et le pont vont en s'approchant du premier plan être toujours irrégulières mais plus épaisses et de couleur plus marquée que celle des arbres. C'est la couleur ici et non la valeur qui va donner l'effet de proximité. Etre libre dans le trait, ne pas penser à dessiner des feuilles de nénuphars, mais à créer des formes variées faites de nuances de vert (Jaune de bismuth+bleu de cobalt, jaune de bismuth+bleu outremer). Les coups de pinceaux Escoda doivent être "sûrs", "nerveux" ou "fluides" selon l'effet recherché et définitifs du premier coup.  

Troisième passage et détails:  Dans les arbres du plan moyen avec un pinceau fin abîmé (poils en étoile ou en plusieurs mèches disparates) exécuter des touches très nerveuses en tous sens, des frottements, avec un jus pâteux de valeur légèrement plus sombres (Bleu outremer et ocre) pour renforcer l'idée de branchage et de feuillage.

Puis peindre avec un jus crémeux très sombre (bleu outremer+ rouge-marron transparent) les ombres et reflets des feuilles de nénuphar sur la surface de l'eau et les tiges des lotus et leur reflet librement et sans retouche, diluer suffisamment le jus pour faire des projections.

Ensuite avec du "rose opéra" saturé peindre des lotus et des nénuphars, des fleurs blanches sont obtenues par grattages de la feuille avec un cutter, voire avec du blanc de titane directement sorti du tube. Exploiter aussi les réserves de blanc laissées vierges par le travail du pinceau en mouvements amples pour en faire des fleurs en leur ajoutant une tige par exemple, ou des reflets de lumière sur l'eau. Se rappeler que plus on s'éloigne du premier plan plus les fleurs sont petites.

A ce stade l'aquarelle est terminée.